Peintures sonores :

 des œuvres à double dimension.

 

Chaque peinture est accompagnée d’une musique qui est créée en simultané avec la toile. Les gestes et les couleurs influencent la création du musicien. Les notes et les sons donnent la dynamique et les couleurs de la toile.

C’est une œuvre spontanée qui émerge du croisement entre les différents univers du peintre et du musicien.

J’ai été influencée par Kandinsky  et son écrit « Du spirituel dans l’art », dans son discours sur la relation entre les couleurs, les formes et les notes de musique, ainsi que par la peinture classique asiatique, qui fut pour moi une grande source d’inspiration.

Ces différents éléments m’ont poussée vers un travail entre la vibration sonore et l’intérieur de l’être.

La musique s’est imposée d’elle même dans mon travail.

"Viva Liberdad"

Acrylique sur toile

100 x 100 cm

Musique : Viladier

Lorsque je vivais en Suisse (2005-2011), j’étais vice-présidente du centre d’art « Le Garenne » (Monthey, VS) dans lequel j’avais également mon atelier. J’y ai monté une scène musicale ce qui m’a conduite à rencontrer de multiples musiciens. Ce contact intense avec leurs univers a influencé ma peinture.

A cette époque je recherchais une façon d’englober le spectateur dans l’œuvre, au- delà du format, tout en restant sur un plan bidimensionnel.

Pendant mes études, la tendance était à l’installation et la peinture était démodée. L’installation demande des moyens techniques que je n’avais pas à l’époque et surtout ne permet pas d’avoir ce rapport intense à la couleur que je recherchais dans mes toiles. J’ai donc inventé une autre solution pour intégrer le spectateur dans l’œuvre. La musique et la peinture font appel à plusieurs sens en même temps. J’ai trouvé la solution dans ce croisement des genres.

Face aux œuvres d’Art TicTic, le spectateur est englobé dans un univers visuel et sonore. La composition simultanée de la musique et de la peinture fait que le spectateur est projeté dans une histoire racontée à ses yeux et ses oreilles tout en lui laissant une part personnelle où son imagination peut se laisser aller. Il peut suivre la musique pour commencer son voyage ou vagabonder dans les vagues colorées. 

« Fee Flow »

100 x 100 cm

Technique mixte sur toile

Dans ma recherche artistique j’ai observé que, par l’oubli de soi au profit de la création, il était possible de transmettre l’intention première  d’une peinture abstraite. Cela demande un travail méditatif, un détachement des pensées et à la fois une expression libre. Le travail avec les musiciens est magique car chacun s’oublie dans le processus de création. L’œuvre devient une entité autonome dont la qualité intrinsèque est une propriété émergente, plus que la somme de nos qualités individuelles.  Le style et la sensibilité de chaque artiste étant différents, chaque travail est une rencontre singulière porteuse d’émotion et de sensibilité. Ce phénomène est encore plus marquant lors de performance en concert car le public tient une part active dans l’œuvre.

Dans notre processus de création nous (les musiciens et moi) partons généralement d’un thème pris au hasard : nous ouvrons le dictionnaire et prenons chacun un terme. Ce couple de mot engage le processus de création.

Au début de ma recherche artistique je me suis inspirée des méthodes de la calligraphie. Celles-ci enseignent l’imprégnation et la méditation d’un sujet, pendant de longs moments, avant de le peindre. Cela donne force et vibration aux traits représentant le sujet étudié. Pendant ma formation j’ai cherché à obtenir la même force dans l’expression de mes gestes picturaux, en oubliant un thème à travers la méditation pour ensuite le retranscrire dans mes toiles. 

Objectifs de création et production

« Rouge Brasil »

100 x 100 cm

Technique mixte sur vieux drap

La musique est un médium qui aide à sortir de soi et qui invite à s’oublier. Ce qui accentue ma motivation dans mon travail de peintures sonores.

Pour permettre au spectateur de rentrer dans l’œuvre il faut un format assez grand. Je peint sur des toiles qui font en moyenne 1m par 1m !ou plus), travaillant au sol par manipulation de la toile, ce format correspond à mes contraintes physiques et permet au spectateur d’être englobé par la couleur. Grace à ça je peux tourner autour de la toile et activer tout mon corps pendant le processus de création. Les outils que j’utilise sont des baguettes chinoises et des cartes de crédit usagées. Je peins très peu avec des pinceaux, ce qui permet d’avoir une grande liberté dans le faire. D’un point de vue conceptuel peindre avec une carte de crédit est assez symbolique. Une carte de crédit est un objet que l’on va détruire une fois usagé pour se protéger, il est a mes yeux le symbole de nos sociétés actuelles, celle en lien a l’argent, la consommation , le paraitre… En l’utilisant dans mon travail elle devient un simple outil et donne vie à la matière picturale. Le format carré est choisi pour que l’acquéreur de l’œuvre puisse le disposer comme il veut, qu’il puisse utiliser le sens de lecture qui lui parle le plus. Qu’il puisse se l’approprier. Dans mon processus de création, je tourne autour de la toile afin d’utiliser le corps dans son entier et les différents points de vue possibles de l’oeuvre ; mais à un moment je fais mon choix de lecture en positionnant ma signature (tampon chinois) proposant ainsi un sens qui n’est cependant pas imposé à l’acheteur.

« M »

60 x 60 cm

Acrylique sur toile

« Parallele Hormone »

100 x 100 cm

Technique mixte sur toile

Musique : Mark Kelly

Intention

Mon but ultime est d’intégrer le spectateur dans son entièreté à l’œuvre, qu’il puisse avoir un moment suspendu, de douceur et de  rêverie.

Pour qu’une œuvre vibre et touche le spectateur, il faut que l’artiste s’oublie et laisse s’exprimer son intuition, le fond des choses qui l’habitent. La musique accentue ce phénomène car, lorsque les couleurs se posent sur la toile, elles sont guidées par les sons proposés du musicien et non plus par mon intention.

Ce qui m’a toujours touchée dans la peinture c’est le contact physique et la vibration que les couleurs peuvent avoir sur l’ensemble de l’être. Le rapport qu’il est possible d’entretenir avec la couleur, ce dont elle nous parle inconsciemment, sa chaleur, sa dynamique… les émotions qu’elles nous envoient. J’aime toucher les couleurs de mes doigts, les sentir, voir leurs lumières… Elles sont presque comme vivantes. La peinture a toujours été un langage universel, un lien entre  les êtres, un moyen de communication non verbal. J’ai envie de faire perdurer cette tradition de la simplicité et de l’expression. Car lorsque le coeur s’exprime, sans le mental, il n’y a plus besoin de mots.

J’ai pu constater qu’une peinture qui vibre, qui vous transmet une émotion, a été faite par un artiste qui s’est offert, qui vous a offert son coeur sans pudeur, avec justesse et honnêteté. Pour cela il me semble important de perdre son identité afin que l’autre puisse s’identifier à son travail. En s’oubliant on ouvre une porte à l’autre, celle d’un espace de liberté. 

 

Je pratique la méditation depuis plus de quinze ans, et cela fait trois ans que je suis thérapeute professionnelle, ces activités me permettent d’avoir une grande écoute de l’autre, de recul et d’oubli de moi même. C’est ce même aspect qui est mis en œuvre dans mon travail artistique. La grande sensibilité acquise dans ces domaines se transmet à travers mes toiles. A plusieurs reprises des spectateurs m’ont fait des commentaires signalant qu’ils avaient perçu l’intention de mon processus de création, cette vibration du cœur qui est en jeu

« Viento » 

100 x 100 cm

Acrylique sur toile

« Densa »

100 x 100 cm

Acrylique sur drap usé 

« Makao »

Peinture : frédérique austruys

Musique : Grand Barrosa

« Space Machine »

Peinture : Frédérique Austruy 

Musique Franco Mento

 « MG »

Peinture : Frédérique Austruy 

Musique : Mark Kelly

Performance « Art City Lausanne »

Peinture : Frédérique Austruy

Dessin d’animation : Guimbaud

Musique : Mark Kelly

Mots  : Joelle Bovy

Photo : Thomas Doco

Projets en cours …

Depuis mai 2014 je travaille sur le projet de Julien Lopez pour son Hôtel Restaurant le « Mamie Jane », Aix les Bains (FR) pour une livraison prévue en septembre 2014.

Il m’a été confiée la création de trois chambres pour l’hôtel ainsi que des toiles pour la décoration du restaurant.

Les chambres sont des œuvres à part entière. Ce sont des fresques sur double support (toile et mur) accompagnées d’une création musicale composé par Grand Barrosa. Le but est de réaliser des espaces de vie, chambres d’hôtel permettant aux clients de dormir dans une œuvre. Ainsi, il est invité à un voyage visuel et sonore intégré à son quotidien.

Hôtel « Mamie Jane », Aix les Bains

Création des chambres du

"Mamie Jane"

 La première chambre, « Makao », évoque la tranquillité de la nature, sa vivacité et la dynamique des éléments biologiques. Ce sont de grandes fresques dynamiques (toile et mur) avec des meubles de ma propre fabrication en plaques métalliques et parpaings. J’ai choisi ces matériaux pour symboliser le côté brut de la nature et jouer sur le contraste nature / industrie.

 

La deuxième, « Suave », évoque une nuit d’amour romantique. Elle est dans des teintes de gris, comme la nuit qui tombe, avec des couleurs pop, rose, jaune, bleu électrique à paillettes. Des mantras et des « je t’aime » dans des écritures peu utilisées, sont inscrits aux murs. Les meubles sont des meubles de récupération en métal décapé. Je fais de la réinterprétation d’objet comme pour leur donner une deuxième vie. Des boites à lettres deviennent des meubles de rangement, des meubles de cuisine des tables de nuit argentées…

 

La troisième chambre est basée sur le dripping, des projections et des coulures de peinture. Nous l’appelons « Let it go » car le message est de ne pas s’encombrer avec le passé et les idées perturbatrices mais de tout laisser aller pour se libérer.

J’aime assez cette idée et j’adore ce travail de projection de peinture dans un grand espace. C’est une danse qui est menée avec les couleurs sur les sons de Grand Barrosa.

Exposition et performances avec Grand Barrosa, Genève

Après notre travail de création d’espace pour le Mamie Jane, une dynamique a émergé de notre collaboration, quelque chose de très sensible et fort à la foi. Nous sommes déjà dans la création de nos premiers travaux pour une exposition courant 2015 à Genève. La créativité de Grand Barrosa est tellement débordante et efficace qu’il va falloir que j’invente une production à la chaine (rire). Nous  voulons également embarquer le spectateur dans un univers. Pour ça nous sommes entrain d’imaginer une mise en scène bien spécifique pour les concert, en plus de la création pictural. Nous vous conseillons de ne pas rater ça !

Work Shop au Loft A 46, Montreux

Grand Barrosa : Musique

Frédérique Austruy : Peinture

En parallèle, je travaille sur un autre projet, celui de Peintures Sonores avec Sébastien Guidetti. Sébastien m’a invitée à monter avec lui une exposition picturale et musicale qui se tiendra au Loft A46 de Montreux. C’est un travail de création de peinture sonore intéressant car c’est une personne que je ne connais pas du tout. Dans cette simple rencontre artistique il y a la surprise de l’espace commun que nous allons faire émerger car le fait de ne pas se connaitre crée un gros point d’interrogation sur notre création. Il pratique un style musical avec lequel je n’ai pas encore travaillé et ce qui est excitant c’est qu’il joue de plusieurs instruments (piano, guitare, voix..).

Je me réjouis de ce travail et vous invite à visiter mon site www.frederiquetictic.com pour connaitre son évolution.

Envie de performence...

Pour mes projets futurs, j’ai envie de travailler la performance de façon plus poussée en proposant à des musiciens une interprétation picturale de leur concert et de l’atmosphère dégagée par leur public, sans pour autant travailler avec eux sous forme d’exposition. C’est une sorte de photo / retranscription picturale de l’ambiance de leur concert.

J’ai déjà travaillé de la sorte à plusieurs reprises pour « Art Teck », au théâtre antique de Sète, pour « De l’art dans l’aire » à Nimes lors de la féria, pour « Venado » à Lausanne, pour « Art City » à Lausanne….

Contrairement aux peintures sonores, la création en live est singulière car le public joue réellement un rôle important dans l’atmosphère de ces moments.

 

Ce travail est une communication silencieuse entre le public, les musiciens et les couleurs. J’aime réellement cette idée de capter les énergies pour les poser sur la toile.

 

Performence "Venado"

Musique : Lia, Mark Kelly

Peinture : Frederique Austruy